Der Kürtener Gitarrist (und Livelooping-Festival-Veranstalter) Michael Peters zeichnet sich vor allem durch seine Vielseitigkeit aus. Stilistische Einflüsse kommen von Nicht-Mainstream-Gitarristen wie Fripp, Torn oder Aarset, aber er liebt auch die noch schrägeren Klänge, wie sie etwa Fred Frith seiner Gitarre entlockt.

Seit den frühen siebziger Jahren spielte Peters nicht nur in Punk-Bands, Ambient-Projekten, Free-Music-Orchestern, Rock-Coverbands, Fripp-beeinflussten Guitar-Craft-Trios, Avant-Rock-Bands und Free-Improv-Nu-Jazz-Gruppen, sondern realisierte auch eine Vielzahl von Soloprojekten, darunter CD-Veröffentlichungen mit Ambient-Musik, experimentellen Klangcollagen und algorithmischer Computermusik.

Bei seinen letzten Gitarren-Livelooping-Projekten stand die Improvisation mit den unendlichen Möglichkeiten einer an den Computer angeschlossenen E-Gitarre im Vordergrund. Michael Peters war mit dieser Art von Setup in den letzten Jahren bei Konzerten in Europa und den USA zu hören.

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Violalex (Alexander Meyen) studierte Jazzvioline und Klavier an der Hochschule für Musik und Tanz zu Köln und arbeitet als Yogalehrer.

Als Violalex spielt er Loopmusik mit 3 Violinen, Loopstation & Effekten. Alexander Meyen veranstaltete verschiedene Loopfestivals im Kölner Raum (z.B. mit Eela Soley, die beim letzten Internationalen Loopfestival 2011 im Loft auftrat) und Konzerte in Deutschland und Indien gemeinsam mit klassischen indischen Musikern.

Weiche Beats, Gesangstimme, Balkanrhythmen und barocke Polyphonie, auf verschiedenartigen Violinen gespielt, schaffen eine meditativ-ambiente Atmosphäre. Minimalistische Klangereignisse werden in Echtzeit aus dem Moment geboren, nehmen Form und Gestalt an und werden so spontan von der Improvisation zur Komposition. Die Loops erinnern in ihrer scheinbaren Endlosigkeit an den Rhythmus des Ein - und Ausatmens. Verstärkt durch die Improvisationen auf der Violine, dehnen sich Raum und Zeit und bewirken eine Reise nach innen.

Im Januar 2013 erschien seine neue Loop-CD "we are all beginners".

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The Redundant Rocker (Bernhard Wöstheinrich) hat sowohl als studierter Grafiker und Maler als auch als elektronischer Musiker ein vielseitiges Gesamtwerk geschaffen.

Er arbeitete u.a. mit den Elektronik-Musikern Ian Boddy, Erik Wøllo und Conrad Schnitzler und dem Filmemacher Telemach Wiesinger zusammen. Mit dem Looping-Gitarristen Markus Reuter, der 2008 auf dem Kölner Festival spielte, spielt er in der Band Centrozoon und betreibt ein Plattenlabel für elektronische, experimentelle und Ambient-Musik.

Als Solo-Performer auf Synthesizern und Computern ist er auf Elektronikmusik-Festivals zu hören, die der "Berliner Schule" zugeordnet werden können, aber seine u.a. von den Einstürzenden Neubauten inspirierte Liebe zu radikalen Klangexperimenten führt ihn weit über die Grenzen dieser Tradition hinaus.

Bernhard Wöstheinrich (performing solo as The Redundant Rocker) elicits meaning from abstraction in electronic music and painting. He has studied graphic design and has created an eclectic body of work in both graphics and music. Among others he has worked with electronic musicians Ian Boddy, Erik Wøllo and Conrad Schnitzler and filmmaker Telemach Wiesinger. Bernhard has created numerous album artworks for the DiN, Unsung Records and Ozella labels and has been exhibiting his evocative paintings.

The alter ego The Redundant Rocker was created around 2002, and it finally established itself with the release of "Collider". Since then, the monicker somehow co-existed with and influenced Bernhard's other diverse projects; the realm of The Redundant Rocker and all the rest (which actually don't have dedicated names) just mutually enhanced each other, there is no cusp between his projects, and you may find Redundant Rocker music under the names "Bernhard" and "Bernhard Wöstheinrich" as well, and the other way around.

The name The Redundant Rocker ironically alludes to a certain kind of replaceability in modern art and music: with today's technology, anyone could easily be replaced with a drum (or coffee) machine.

The person behind The Redundant Rocker, Bernhard Wöstheinrich, is a composer,painter, graphic designer, performer, small town bohemian, failed control freak, and, finally, even a record label owner in Germany. His projects and albums have been released on a variety of labels and span different fields of electronic and ambient music.

Bernhard started in about 1987 to intensely experiment with his own sounds and tunes after he found out that drawing and painting simply weren't enough to adequately express himself. He went about to find something that might had a more "performing" approach. Inspired by the likes of Einstürzende Neubauten and other informal and experimental music, he finally began to work in a very personal way to compose and record some early tapes. The rest, as they say, is history.

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Andreas Willers gilt als Ausnahmegitarrist mit einem enormen stilistischen Background und weiten technischen und klanglichen Möglichkeiten, die sein Spiel mit sicherem Formgefühl und emotionaler Kraft von den Tiefen des Blues bis in die Abstraktionssphären der Neuen Musik tragen.

Er hat mit vielen Stars des Jazz und der improvisierten Musik gearbeitet, so kennt er seinen heutigen Duopartner Thomas Heberer seit den 80er Jahren aus unterschiedlichsten Konstellationen von Big Band bis Duo. Willers ist auf etwa 40 Alben unter eigenem Namen, in kooperativen Bands oder als Sideman vertreten.

Bei der Arbeit mit Loop-orientierter Musik verfolgt Andreas Willers einen Ansatz, der mehr und mehr wegführt von atmosphärischen Klangbädern und Ostinati: Ad hoc gespielte Phrasen werden geloopt und in ein Spiel auf mehreren Ebenen integriert, aus handgemachter Musik entwickelt sich eine virtuelle Vervielfachung, die jedoch nicht die Illusion eines eigenen Gitarrenensembles erzeugen will, sondern das technische der Vorganges klarmacht.

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Thomas Heberer, auf dem Loopfestival im Duo mit Gitarrist Andreas Willers zu sehen, studierte Trompete bei Manfred Schoof. Der Penguin Guide to Jazz nannte ihn "an outstandingly gifted trumpeter", Kollege Dave Douglas "a European Master" und der Kritiker Steve Lake "our new trumpet genius". Ihm wurde 1990 sowohl der SWR-Jazzpreis als auch, gemeinsam mit seinem langjährigen musikalischen Partner Dieter Manderscheid, der Preis der Deutschen Schallplattenkritik zuerkannt.

Als Mitglied von Misha Mengelbergs und Han Benninks Instant Composers Pool (ICP) gewann er 2002 den Down Beat Critics TDWR Poll sowie 2004 den Jahrespreis der Deutschen Schallplattenkritik mit Aki Takases Band. Konzertreisen führten ihn durch 6 Kontinente, er war Lehrbeauftragter der Musikhochschule Frankfurt/Main (1993-97) und 2007 Gastdozent am kanadischen Banff Centre, Repräsentant Deutschlands bei der EBU Big Band (1998) und nahm über 50 CDs als Sideman und ein Dutzend CDs unter eigenem Namen auf.

Vor seinem Umzug nach New York City war Thomas 12 Jahre lang Mitglied der Harald Schmidt Show Band; am Wuppertaler Tanztheater wurde seine Musik von Pina Bausch choreographiert.

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The Lucid Brain Integrative Project (Emmanuel Reveneau) koordiniert das Internationale Livelooping-Festival in Paris, das eine Woche vor dem Kölner Festival stattfindet.

Er spielte früher als Punk-Gitarrist und in Bands mit improvisierter elektroakustischer Musik und begann schließlich sein "Lucid Brain Integrative Project", eine Art Audio-Video-Installation für einen Multiinstrumentalisten, der Popsongs, progressive Musik und Freejazz mit Livelooping kombiniert.

Emmanuel arbeitet auch als Komponist und Videokünstler im Rahmen von Theater und Film und entwickelt eigene Loop-Software.

Born in 1970, contemporary twelve days with Jimi Hendrix. Mediocre guitarist in punk bands since his 15, Emmanuel Reveneau discovered in the late 80's improvised music at the faculty of Nanterre to the contact of the writer Philippe Jacquet. After years of electro-acoustical experiments in wacky bands, he bought his first looper, a RC 20, stopped drinking and created The Lucid brain integrative project, an evolutive audio-video installation for one multi-instrumentist playing pop songs, progressive tunes, free jazz. He also works since almost 15 years as a sound composer and video artist in the context of theater with several collective, realizes short films and documentaries, and plays guitar, cello and bass for the songwriter Blair, hidden imam of "chanson française". In 2010, Jean-François Domingues joined the Lucid brain to built a dedicated looping software, Noundo.

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Steve Moyes ist ein Komponist und improvisierender Multiinstrumentalist aus Kent/Südengland. Er spielt vor allem Cello und elektrische Gitarre in Kombination mit Livelooping und Computern.

Seit den 90er Jahren konzentriert er sich auf freie Improvisation und gab viele Konzerte, entweder als Solist oder mit musikalischen Partnern wie etwa der Freejazz-Sängerin Maggie Nicols, oft auch im Rahmen von Performances in Kombination mit Film, Tanz oder Live-Malerei.

Neben herkömmlichen Livekonzerten gibt Steve auch gern Streaming-Video-Konzerte von zuhause aus oder nimmt mit Hilfe von Software wie Ninjam an internetbasierten Sessions teil.

Steve Moyes gibt auch Musikworkshops für Kinder und Erwachsene. Dort geht es z.B. um Improvisation und Livelooping.

Steve Moyes is an experimental improvising musician, multi-instrumentalist and composer based in Kent, England. His main instruments are cello and electric guitar.

Steve spent the 1980s and early '90s playing guitar in various experimental rock/pop bands, particularly concentrating on using effects to make the guitar 'not sound like a guitar' and found himself increasingly introducing elements of improvisation into the music.

Later in the '90s he discovered the improvised music scene in London, and for several years devoted himself to free improvisation. Since that time he has performed many concerts, both solo and in a wide variety of ad hoc improvising groups. He has been a regular participant in The Gathering, a weekly open improvisation session that was started over 25 years ago by the pioneering vocalist Maggie Nicols.

Steve has collaborated with a wide variety of musicians and artists in other media, including film, dance, live drawing/painting and spoken word. For a number of years he was part of the music/dance group Characteractoristics, which performed regularly at The Foundry in London, as well as many other venues and festivals around England. Following the disbanding of the group, he organised regular monthly performances at The Foundry, combining improvised music with live painting and other visual arts. In recent years he has also been working extensively with the experimental film maker Ágnes Háy.

For a number of years Steve has been using live looping as part of his solo performances. He is particularly interested in using looping technology in a creative way to build seemingly complex musical structures from simple elements. He is constantly changing his looping set-up, in an attempt to keep his performances as spontaneous and unpredictable as possible. Since the early 1990s Steve has been making use of internet technology. He is a member of the quintet DigItSignal, which has members in the USA and Sweden, and plays and records together live using a program called Ninjam. He has also made many live streamed solo performances from his home.

In 2008 he completed the Music Workshop Skills course at Goldsmiths College, University of London. Since then he has run many community workshops for young people and adults, encouraging participation in creative music making beyond more formal music education. The workshops take place in schools, youth clubs and hospitals, and a wide variety of other community settings.

"For me, music making is about creativity, self-expression and communication. I play to express thoughts and feeling that I can't express any other way. It's also about the much neglected art of LISTENING"

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Sylvain Poitras spielte Posaune auf internationalen Jazzfestivals, aber seine Leidenschaft gilt der elektroakustischen und experimentellen Musik.

Auf dem Kölner Festival wird er auf seiner Meta-Trombone spielen, einer durch Livelooping-Software erweiterten Posaune.

Sylvain Poitras ist auch Kurzfilmer, Comiczeichner und Entwickler von innovativen kostenlosen iPhone-Musik-Apps. Als studierter Philosoph interessiert er sich für den Zusammenhang von Sprache und Kunst, besonders für die Unterscheidung zwischen Symbol und dem symbolisierten Objekt und die mögliche Auflösung dieser Unterscheidung durch selbstreferentielle Methoden. Dies ermöglicht die Manipulation von Symbolen, wodurch diese zu Kunst werden und gleichzeitig die symbolisierten Objekte selbst Bedeutung annehmen. Entsprechend sind in seiner Musik die Noten nicht nur Klänge, sondern gleichzeitig auch Kontrollsignale, um musikalische Parameter zu steuern.

A philosopher by training (BA and MA), Sylvain is particularly interested in language, thought and art. As a trombonist, he has performed twice at the Ottawa International Jazz Festival, including once in the company of Lee Schipper, vibraphonist and laureate of the Nobel Peace Prize (IPCC 2007). His recent musical explorations lead to electroacoustic and experimental music. As an amateur videographer, he produced some thirty short films and founded Kino Outaouais. After studying comic books at the University du Québec en Outaouais, Sylvain's comics were selected for Les Fumettos du Cyclope published by Trip Editions in Montreal. Recently, Sylvain distributes free apps for the iPhone that offers new ways of creating music.

In his work, Sylvain explores the distinction between the symbol (word, image or sound) and the object it represents. By blurring this distinction, the symbol can be manipulated to create art and the object acquires meaning. His approach is based on the work of Magritte and Gödel's theorem on the incompleteness of mathematics. To do this, Sylvain creates: self-referential films; images by manipulating other images or words; music from language; music where the notes played are both musical material and control signal to change parameters; and computer assisted poetry.

His performance in Cologne will will feature his invention: the meta-trombone. With purpose-made software, the trombone notes that he plays will also manipulate trombone loops that he creates live during performance.

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Laurie Amat ist Sängerin, Improvisations-Performerin, experimentelle Komponistin und Lehrerin. Ihre einmalige Art, mit Stimme umzugehen, ist ein Ergebnis ihrer vielfältigen Erfahrungen in Pop, Rock, traditioneller und moderner Oper, Video, Tanz und Performance-Kunst. Ihr Talent dafür, immer wieder neue Gesangstalente zu inspirieren, hat damit zu tun, daß bei ihr die pure Kraft der Stimme im Mittelpunkt steht und durch Technik, Talent und Experiment als ausdrucksstarkes Instrument für menschliche Emotionen und Geschichten genutzt wird.

Ihre Stimmkompositionen, oft für die spezifischen Klangeigenschaften eines bestimmten Aufführungsraums entwickelt und manchmal durch elektronische Effekte und Livelooping erweitert, wurden in in Konzerthallen, Museen, Galerien, Kirchen und ungewöhnlichen Orten wie Burgen, Bunker, Zisternen, Flüssen und Unterführungen auf der ganzen Welt aufgeführt. Sie wurde auch durch die Zusammenarbeit mit Ensembles (z.B. den Residents) und durch ihre internationalen Stimm- und Hör-Workshops bekannt.

Laurie Amat is a vocalist, improviser, composer and teacher

She explores the broad possibilities of voice, breath and body in live performance, recording and multimedia. Ms. Amat's unique talents stem from her focus on the power of the pure voice as an instrument to convey a direct expression of visceral human emotions and individual story told through technique, raw talent and experimentation. She has performed and recorded pure-voice, site-specific architectural sound pieces internationally in alternative spaces such as bunkers and concrete overpasses and traditional spaces including San Francisco's DeYoung Museum and Chicago's Rockefeller Chapel. Ms. Amat also continues to break boundaries with her use of electronics, creating everything from voice based angelic choirs to brutal industrial sound pieces.

She has recorded and/or performed with such luminaries as The Residents, Liquid Television, LucasArts, and is featured on voice soundtracks for independent directors Paul Bartel, Ilppo Pohjola and Alex Cox (Sid and Nancy).

Her European solo and collaborative work includes projects with The Residents, Czech scholar/keyboardist Mirek Vodražka, Deutsch Nepal, Der Blutarsch and Swedish Loop God Per Boysen. Her American collaborations include Red Thread (CJ Borosque), NY based Swirm, guitarist Daryl Shawn and Composer/Performer Ed Herrmann.

Ms. Amat is presently on a 6 month "mobile arts residency" of performance, recording, teaching and lecturing in Europe and Scandinavia. She has upcoming solo performances in Berlin, Prague and Vienna, and collaborations including artists Ole Christensen (Bergen), Breeda CC (Berlin) and Mirek Vodražka (Prague).

Myspace | Youtube

Rick Walker, eine der zentralen Figuren der Livelooping-Bewegung, lebt in Santa Cruz in Kalifornien. Er veranstaltet dort seit dem Jahr 2000 das größte Livelooping-Festival der Welt - jeden Oktober treffen sich dort mehrere Dutzend Loop-Musiker aus vielen Ländern für Konzertwochenenden.

Rick Walker ist Schlagzeuger und Perkussionist - er studierte bei vielen Perkussionslehrern aus Afrika und Asien und war in den 1980er Jahren maßgeblich an der Entstehung der in Kalifornien geborenen Weltmusik-Bewegung beteiligt. Er arbeitet als Rhythmuslehrer, Komponist und Sessionmusiker. Seit einigen Jahren hat er sich auf die Improvisation mit "found sounds", ungewöhnlichen und bizarren Instrumenten, in Kombination mit Elektronik und Livelooping spezialisiert.

Im Rahmen seiner Europatournee im Jahr 2008 war Walker bereits auf dem ersten internationalen Kölner Livelooping-Festival zu Gast.

Composer, multi-instrumentalist and master percussionist/drummer, Rick Walker has been on the cutting edge of music for the last 25 years. One of the original founding members of the World Beat movement, and now one of the leading lights in the emerging International Live Looping movement, he incorporates a vast array of world music and pop styles in his repertoire. He has headlined in 13 countries in the past 5 years as a found sound/live looping/abstract electronica artist. He is an exceptionally versatile and sensitive musician and is eccentrically creative, finding rhythm and melody in hundreds of everyday objects He has also produced 25 live looping festivals (which have inspired 70 more festivals worldwide), including: the First Bass Live Looping Festival (the first large scale live looping festival in history); the First Bass Live Looping Tour (with fellow loopers Michael Manring, Steve Lawson and Max Valentino); and for the past eight years, the Y2K Live Looping Festival Series, culminating last October in the Y2K7 International Live Looping Festival, which featured 51 live looping artists from 10 countries in 5 days in 3 cities --the largest gathering of live loopers in history. He also curated a series of festivals for the San Jose Museum of Art, showcasing emerging trends in music and live computer animation, including the First Women's Live Looping Festival, the Festival of Found and Invented Sound, and the Festival of Live Digital Animation (for which he also provided the sound score). He was also part of the first monthly live looping series in history at Mobo Sushi, in Santa Cruz, California in 1995. Rick has endorsements with the looping hardware creators Looperlative (the highest fidelity hardware looper extant), Gibson (for their Echoplex EDP looper) and Electrix (the Repeater). He is a representing artist for Cycling 74 and Universal Audio, and he endorses the software companies Antares, Tuareg, TobyBear and several others. He also endorses and plays equipment made by the Cooperman Drum Company, D-Tar Preamplifiers, P-bag Percussion Bags, Duco Simina Bagpipes, Robert Collier Kalimbas, Xaphoon bamboo saxaphones, Strumstick and the Professor Television Photo-Theremins. Also a professional percussionist, Rick plays well over 1,000 global percussion instruments and has studied the traditional West African, Caribbean, Brazilian, Middle-Eastern, Indonesian, Indian, European, Celtic, and North American schools of rhythm. He has taught over 2500 private students the principles of rhythm, composition, arrangement, sound design and production, and is the author of a multi-volume encyclopedia of rhythm called "Global Beats and World Pop Styles" which is currently in its fourth volume of research. He is a prodigious multi-instrumentalist, playing keyboard instruments, reed and double reed instruments, brass instruments, stringed instruments, found sound instruments and invented instruments. In addition, he has a fascinating repertoire of unusual and exotic vocal techniques at his command, many of which he has innovated: overtone singing, warble singing, trill singing, uvulal singing, hum-whistling, mouth percussion and effects, yodelling and pygmy bottle blowing/falsetto singing. Rick is also schooled in electronic drumming, sampling and electronic processing, and he is able to seamlessly integrate the most minimal and primal shamanic styles with state-of-the-art technology. He is currently working on perfecting live digital looping techniques and computer sound design with his groundbreaking and timbrally innovative solo performance project, Loop.pooL. He has given clinics on live looping for the Percussive Arts Society's annual conventions, and at Digital Music Festivals. As a studio recording musician he has played over 1000 sessions (for artists such as Martin Simpson, Bob Brozman, Tarika Sammy, Ile Aiye and Amel Tafsout). His recording with Okinawan sanchen master Takashi Hirayasu, American bluesman Bob Brozman and Los Lobos leader David Hidalgo reached number 5 on the European world music charts in 2002. As a producer, he has produced recordings for Worlds Collide, Tao Chemical, Lackadaisy, Ile Aiye (of Brazil), and Amel Tafsout (of Algeria). As a performing musician, Rick has toured in Europe, Asia and the United States with Bob Brozman, British master guitarist Martin Simpson (playing frame drums, dumbecs, djembes, multiple percussion and drum set), Debashish Bhattacharya (India), Takashi Hirayasu (Okinawa), Rene Lacaille (Reunion), Familia Valera (Cuba), George Pilali (Greece), Djeli, Baba Tunde Olatunji (Nigeria), Abdoulaye Djakite (Senegal), Titos Sompa (Congo), Kevin Kmetz (Japan/USA), Olodum (Brazil), Ile Aiye (Brazil), Henry Kaiser (USA), Moussa Diawara (Guinea) and many, many other master musicians. He is represented on hundreds of recordings as an instrumentalist, arranger and producer, and on his own original recordings: two CDs of abstract electronica called 'Loop.pooL' and 'Purple Hand'; a live solo looping, multi-instrumental CD, 'Translucent Dayglo Lime Green Plastic'; a CD of a capella vocals and electronics, 'Faux Voix'; and 2008's multimedia CD/DVD of his lo-fi, toy webcam and toy video cam 'animations' of his current abstract electronica compositions. Several of his abstract electronica compositions have been commissioned for Modern Dance choreographers in Northern California.

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Amy X Neuburg aus Oakland, Kalifornien entwickelt seit über 25 Jahren Genre-übergreifende Kompositionen für Stimme, Liveelektronik und Kammerensembles. Ihre Musik ist eine innovative Kombination aus Livelooping, elektronischer Perkussion, einer 4-Oktaven-Gesangsstimme und farbigen und humorvollen Texten.

Ihre "Avant-Cabaret"-Lieder und ihre Kompositionen für Ensembles, Theater, visuelle Medien und Modern Dance wurden auf vielen Bühnen der Welt und namhaften Jazz- und Neue-Musik-Festivals aufgeführt. Ihre klassisch ausgebildete Stimme kam in zeitgenössischen Opernaufführungen (z.B. bei Robert Ashley) und vielen Plattenaufnahmen zum Einsatz.

AMY X NEUBURG (Oakland, California) has been developing her own brand of irreverently genre-crossing works for voice, live electronics and chamber ensembles for over 25 years, known for her innovative use of live looping technology with electronic percussion, her 4-octave vocal range and her colorful — often humorous — lyrics. One of the earliest performers to work with live digital looping, Amy has presented her solo “avant-cabaret” songs at such diverse venues as the Other Minds and Bang on a Can new music festivals, the Berlin International Poetry Festival, the Wellington and Christchurch Jazz Festivals (New Zealand), the Warsaw Philharmonic Hall, electronic music festivals, colleges, rock clubs and concert halls throughout the U.S. and abroad.

As composer, commissions for voices and chamber ensembles — often with looping electronics — include Robin Cox Ensemble, Present Music, Solstice vocal ensemble, Pacific Mozart Ensemble chorus, Squonk, and Del Sol String Quartet. Her acclaimed song cycle The Secret Language of Subways for voice, cello trio and electronics has played at Yerba Buena Center, the San Francisco Symphony After Hours, and the Los Angeles Philharmonic Left Coast Festival. She has also composed extensively for theater, visual media and modern dance.

A classically trained vocalist, Amy has been featured in contemporary operas and recordings including works by Robert Ashley, Culture Clash and Guillermo Galindo.

Amy received degrees in linguistics and voice from Oberlin College and Conservatory and an MFA in electronic music from Mills College. Her many grants and honors include Arts International, Meet the Composer, The U.S. Embassy New Zealand, SF Friends of Chamber Music, and the Alpert/Ucross prize.

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